Reseña [novela gráfica]: La Enciclopedia de la Tierra Temprana, de Isabel Greenberg

¡Hola a todos! ¿Qué tal estáis? Espero que hayáis disfrutado mucho de las fiestas y que este nuevo año venga cargado de maravillosas lecturas. En mi caso, no pude empezar el año de mejor manera que leyendo esta novela gráfica que tenía pendiente desde hace ya bastantes meses. Una auténtica joya que veréis entre mis mejores lecturas a finales del 2016. Desde aquí, gracias a Kuroi, que me picó la curiosidad con su reseña.  

Ficha Técnica:

Título: La Enciclopedia de la Tierra Temprana

Autora: Isabel Greenberg

Editorial: IMPEDIMENTA

Encuadernación: Cartoné

Nº Páginas: 176

Precio: 24,95€

ISBN: 978-84-15979-39-5

Libro en Goodreads

Primer capítulo: AQUÍ

Sinopsis de la editorial: 

¡LECTORES! ¡ESTE LIBRO NO ES UNA AUTÉNTICA ENCICLOPEDIA!

Es una obra épica de ficción que nos lleva tras los pasos, los relatos y las aventuras de un narrador solitario en su búsqueda del conocimiento y del amor verdadero.

Una obra que contiene multitud de historias, grandes y pequeñas, sobre dioses y monstruos, reyes locos, ancianas y brujas sabias, chamanes, hombres medicina, familias polares, hermanos y hermanas, y sobre los conflictos que se generan entre ellos, el misterio, la mala ciencia, la peor geografía y ¿hemos mencionado ya el amor verdadero?

La crítica asegura que probablemente nos encontremos ante lo mejor que se ha visto desde la invención de la rueda. Tal vez, incluso, desde la invención de los inventos.

Opinión Personal (sin spoilers): 

La sinopsis proporcionada por la editorial no podría ser más perfecta, pues dentro de las páginas de La enciclopedia de la Tierra Temprana encuentras todo eso y mucho más. Es una novela gráfica ideal para los amantes de las buenas historias, para aquellos que busquen la magia propia de los cuentos populares.

Isabel Greenberg nos narra la historia del inicio de los tiempos, haciendo uso de leyendas tradicionales, religión y mitología; historias que todos conocemos para crear algo nuevo y totalmente maravilloso. Y lo hace de la mano de un joven Narrador de historias que emprende el viaje de su vida, una odisea por la que deja atrás a su clan en las tierras del Norte para buscarse a sí mismo, algo que ha perdido y que necesita recuperar a toda costa para sentirse completo. Un duro y largo viaje en el cual descubrirá que hay vida donde muchos decían que no había más que vacío, conocerá personas y seres impensables incluso para su inagotable imaginación y, por supuesto, contará miles de historias y aprenderá otras tantas. En cada uno de los pueblos de la Tierra Temprana que pisa el Narrador tendrá lugar un reconocimiento y un intercambio cultural entre sus gentes, cuyo punto en común será el Dios al que todos veneran —el Dios Hombre-Pájaro y sus hijos los Cuervos, Kid y Kiddo—, que según el pueblo adoptará un cariz distinto.

La autora tiene arte para hilar historias, enredarlas y darles sentido, jugando de manera magistral con referencias a la Biblia y a distintas mitologías, adaptándolo todo a lo que nos quiere contar. Me ha encantado cómo nos narra la historia de la creación, el nacimiento de Adán y Eva, o historias como el enfrentamiento de Caín y Abel, el mito de Noé y el Diluvio Universal, la torre de Babel o la historia de Jonás y la Ballena. Así, conoceremos cómo se formó y destruyó la Tierra Temprana —con sus tres lunas, sus creencias, sus lenguas y sus criaturas. Una tierra dominada por seres humanos no muy distintos de nosotros—, y cómo nació después la Tierra que conocemos. En cada lugar al que el joven Narrador llega en su búsqueda, la autora nos irá dejando una pista en forma de historia.

La enciclopedia de la Tierra Temprana es una gran oda al arte de narrar en sí, pues la novela gráfica está plagada de historias. Historias dentro de historias como matrioskas infinitas, contadas por un Narrador que, en determinado momento, descubre a alguna persona a quien narrar sus historias y que a su vez responde narrando más historias. Una enciclopedia de historias que comienza con el encuentro de dos jóvenes enamorados que, a pesar de ser dos polos opuestos que deberían atraerse, dos partes de un todo, están condenados a no tocarse nunca, sometidos a una repulsión magnética que les impide acercarse el uno al otro a menos de medio metro de distancia. Una historia que llevará al Narrador, uno de esos amantes trágicos, a contar lo que le ha llevado hasta el punto en el que se encuentra.

La parte gráfica es otro de sus puntos fuertes desde mi punto de vista. La autora combina el blanco y negro con toques de color escogidos meticulosamente para cada historia. Puede que el dibujo peque de simple, pero está tan detallado que resulta perfecto en su imperfección. Como ya nos tiene acostumbrados Impedimenta, la edición no puede ser más cuidada. Puede que al mirar el precio os resulte excesivo, pero hay que tener en cuenta que estamos ante un tomo completamente a color, con una encuadernación en cartoné de 21x30 cm, papel de excelente calidad y que, además, incluye un póster de regalo.

Puede que no os gusten las novelas gráficas, pero os aseguro que esta no es una novela gráfica al uso. Narrativamente hablando es simple y a la vez preciosa, por lo ricas que son sus historias a pesar de la simpleza con la que la autora intenta embaucarnos hasta lograrlo. Porque lo consigue, vaya que sí. Es como enfrentarse a esos cuentos que nunca pasarán de moda, a grandes maestros de la narración, de una manera sencilla y visual. Pero lo más increíble es que este sea el debut de Isabel Greenberg. Me relamo pensando en cómo será la próxima joyita que nos regale. Descargaos el primer capítulo de La enciclopedia de la Tierra Temprana e intentad no enamoraros de la narración de la autora. Yo, desde luego, fui incapaz de no hacerlo. 

BOOKTRAILER

¿Lo habéis leído o queréis hacerlo? ¿Os ha enamorado tanto como a mí?

¡Un besote a todos!

Reseña cómic: Amores minúsculos, de Alfonso Casas

¡Hola a todos! ¿Qué tal estáis? Para variar un poco las reseñas y, dado que siempre me da pereza reseñar cómics (no sé por qué), hoy me he obligado a sentarme para hablaros de uno de los últimos que he leído.  

Ficha Técnica:

Título: Amores minúsculos
Autora: Alfonso Casas
Editorial: Edicions de Ponent
Encuadernación: Cartoné. Edición Mayúscula
Nº Páginas: 176
Precio: 22€
ISBN: 978-84-15944-35-5
Cómic en Goodreads

Resumen de la editorial: 

Esta historia es un homenaje a esos amores fugaces que todos hemos tenido, esas pequeñas relaciones de edición limitada que son tan reales y nos enseñan tanto o más que ese hipotético amor de cuento de hadas que tal vez llegue, que tal vez no. Porque no sólo las grandes hazañas merecen ser contadas. Porque en las pequeñas historias también se viven grandes momentos. Porque los más grandes amores empezaron siendo… Amores minúsculos. Edición Mayúscula. Obra adaptada al teatro por Los Zurdos. Nominada a los Premios Max de Teatro 2015. Incluye una historieta nueva y también todo el proyecto desarrollado en la adaptación del cómic al teatro.

Opinión Personal (sin spoilers): 

Conocí a Alfonso Casas a través de Instagram y desde entonces me declaré fan de todas y cada una de sus publicaciones (buscad @alfonsocasas en Instagram y veréis de lo que hablo). Siempre te saca una sonrisa y se nota que tiene muchísima imaginación. Personalmente, no tenía ni idea de que había publicado cómics hasta que un día, viendo la cantidad de me gusta que tenían sus publicaciones, me dio por investigar y encontré varios títulos (algunos descatalogados). Quizás os suene más la novela gráfica No sin mi barba, publicado por Planeta no hace mucho, bajo el sello Lunwerg. El caso es que tuve un flechazo con Amores Minúsculos, que además acaba de ser reeditado en esta edición mayúscula, y en cuanto lo vi en la librería me hice con él.

Amores Minúsculos nos relata una serie de historias con el amor como eje centrar de las mismas. Historias cotidianas, realistas, que nos pueden pasar a cualquiera de nosotros; pequeños amores minúsculos que vives a la espera de ese que sabes que es el definitivo, el mayúsculo.

Hay cuatro historias, tres principales y una incluida en los extras del cómic, todas muy bien hiladas y entrelazadas entre sí.

En la primera historia conoceremos a Jaime, un chico introvertido con un mundo interior muy rico. Se puede decir que es el personaje central y que todas las historias giran, de una manera o de otra, en torno a él. Vive con su amigo Nacho y está escribiendo una novela, o más bien intentándolo, pues la inspiración parece haberse escabullido de su vida. Mientras tanto, espera. A que pase algo. Ese algo aparece en su vida casi por casualidad. Se llama Eva y dice saber exactamente el día en que va a morir.

La segunda historia es la de Nacho, compañero de piso de Jaime. Es un chico extrovertido, dibujante de cómics que trabaja en una tienda de ropa mientras intenta abrirse camino en el mundo de la ilustración y que además es aficionado a dar fiestas que se le van de las manos. También es gay y, como Jaime, está buscando su inspiración. La inspiración de Nacho le llega un día como otro cualquiera en el que, sentado en la plaza donde suele ir a dibujar cada día, a inventarse historias sobre los desconocidos a los que dibuja, un chico llama su atención. A partir de ese día se convierte en su modelo favorito. Sabe la hora a la que pasa por allí y guarda las mejores historias para él. Sin saberlo, aquel chico del que ni siquiera sabe el nombre se va ganando un hueco en su corazón. Un sentimiento platónico, puro, que no le hace daño a nadie pero que supondrá un antes y después en la vida de Nacho.

La tercera historia es la de Laura, la mejor amiga de Nacho. Es una chica normal y corriente, con un trabajo de contable y una hipoteca, pero soñadora a su modo y con mucho carácter a pesar de su aparente dulzura. Ella no busca inspiración, pero un amor minúsculo, o más bien accidente minúsculo, está a punto de cruzarse en su camino.

Por último, en los extras encontraremos la última historia, la de Ana, una camarera tímida que guarda su amor minúsculo como su mayor secreto. Es la historia más cortita de todas pero también tiene su encanto, y aunque a simple vista parece que no aporta demasiado, termina por cerrar el círculo que comenzó con Jaime.

Y es que lo que más me ha gustado del cómic, además de la cercanía de los personajes y las situaciones tan reales que viven, es que todas las historias están conectadas, tanto en el tiempo como con los diferentes personajes, haciendo de cuatro historias una sola. Además, Alfonso Casas hace que te creas todas y cada una de las historias, que las vivas como si los personajes fueran cualquiera de tus amigos o incluso tú mismo en algún momento de tu vida.

Me gusta mucho el dibujo del autor pues, pese a su sencillez, utiliza recursos originales como el tratamiento del color en cada historia para diferenciar a los personajes o esas viñetas recargadas donde deja volar su imaginación.

El tomo cuenta con un extra donde puedes encontrar bocetos, curiosidades, información acerca de las ideas que dieron vida al cómic o de los personajes, lugares de Barcelona que inspiraron al autor para dibujar e incluso una lista de canciones. La obra ha sido llevada al teatro, con un notable éxito, y esta edición incluye una parte dedicada a hablar un poco de cómo fue el proceso de adaptación de Amores Minúsculos al teatro. Si vivís en Madrid y tenéis la oportunidad de acudir, os animo a que no os lo perdáis.

En cuanto a la edición por parte de Ponent, la verdad es que está muy bien pese al hecho de que tenga una página repetida. Y no es cosa de mi ejemplar, no, pues en la librería nos dimos cuenta de que todos estaban igual. Ya sé que es una bobería y que por una página repetida no dejas de disfrutar de la obra, pero igualmente me fastidia un poco que una edición que podría ser perfecta, que nos venden como "mayúscula", no lo sea. 

Amores Minúsculos os gustará si os gustan las historias realistas donde lo que importa no es tanto lo que te cuentan sino cómo te lo cuentan, la magia escondida en la cotidianidad. Es una obra íntima y emotiva sobre esos amores minúsculos que dejan una huella indeleble en nuestra vida. Un cómic de personajes que no deja indiferente. Si no estáis acostumbrados a leer cómics, este sería un título perfecto para empezar. Y si lo estáis y os gustan las historias cotidianas con encanto, os gustará seguro.

¿Lo habéis leído o queréis hacerlo? ¿Os ha gustado tanto como a mí?

¡Un besote a todos!

Reseña cómic: Noé, de Darren Aronofsky, Ari Handel y Niko Henrichon

Hola a tod@s. Hoy os voy a hablar de Noé, obra que está de máxima actualidad porque hace poco se estrenó la película en el cine. 

Esta obra está guionizada por Darren Aronofsky y Ari Handel. Ambos son más conocidos en el mundo del cine que en el del cómic, y para aquellos a los que no les suene el nombre de Aronofsky, decirles que es el director de películas como Pi, Réquiem por un Sueño, El Cisne Negro y como no, de Noé. 

¿Cómo y por qué está Aronofsky detrás de la historia de Noé en dos formatos distintos? Sencillo, el cineasta quiso llevar su particular visión del personaje bíblico al cine en 2011, pero no consiguió el apoyo económico necesario. Así pues, estando convencido de que su proyecto tenía que ver la luz de una forma o de otra, decidió llevar a cabo el proyecto en formato cómic, basándose en el guión original de la película. No es la primera vez que esto le ocurre a Aronofsky, exactamente lo mismo le ocurrió anteriormente con la película y el cómic de La Fuente de la Vida. 

Todavía no he tenido oportunidad de ver la película de Noé, así que no voy a establecer ninguna comparación entre ambas versiones. Me ceñiré únicamente a mi impresión de la obra en formato cómic. 

Ficha Técnica:

Tomo 1:  NOÉ – Volumen I.
Tomo 2: NOÉ – Volumen II.
Guión: Darren Aronofsky y Ari Handel

Dibujo: Niko Henrichon

Editorial: Debolsillo

Encuadernación: Tapa blanda sin solapas

Nº Páginas: 144 y 128 por tomo

Precio (por tomo): 11,95€

Resumen Personal (sin spoilers): 

En un mundo asolado, donde los paisajes parecen vertederos de basura abandonados y la sequía parece haber durado cientos de años, el hombre parece haber olvidado su condición de “inquilino” del planeta. El aspecto que lucen las ciudades y los páramos desérticos es tan repugnante como el de un baño de discoteca a la hora del amanecer y, lo que es peor, los hombres parecen convencidos de que ése es el estado natural de las cosas. Parecen haber asimilado la idea de que la tierra es una aldea y ellos una horda vikinga con todo el derecho a saquear y violar lo que encuentren en su camino.

Sin embargo, no todos los hombres son partícipes de este modelo de vida destructivo. Apartados de la civilización viven Noé y su familia. Noé es descendiente de un linaje de hombres sabios y con un gran conocimiento de la naturaleza y del puesto que los hombres realmente tienen en ella. No en vano, algunos de sus antepasados decían haber tenido comunicación directa con El Creador. De ahí que los hombres de la ciudad lo llamen “El Mago”.

Noé comienza a tener visiones en las cuales se le aparecen muertas todas las criaturas de la tierra. Tanto hombres como animales aparecen ahogados bajo una inmensidad de agua. A través de las visiones, Noé llega a la conclusión de que debe construir un arca. Una embarcación tan grande como para poder poner a salvo a una pareja de cada especie de ser vivo del planeta.

Una vez finalizada la construcción del inmenso navío comienza el diluvio.

Desgraciadamente, la tormenta que se cierne sobre el protagonista no es sólo la que tiene su origen en las fuerzas de la naturaleza. Además, están un ejército de humanos que pretenden apoderarse del navío y el hecho de que Noé tiene asumido que su labor es salvar a los animales, que la raza humana debe desaparecer. Él y su familia sólo son los encargados de llevar a cabo un trabajo, una tarea que es la garantizar la supervivencia de las especies animales, pero ese convencimiento sólo está presente en la mente del propio Noé, no en la de su familia.

Opinión Personal (sin spoilers): 

Personalmente, la obra me ha gustado bastante. Nunca imaginé que me interesaría por un cómic basado en un relato bíblico. Sin embargo, he de decir que la obra que nos presentan los autores de este Noé, poco tiene que ver con la idea que muchos nos hacemos de un relato bíblico.

Para empezar, la escenografía, cuando ves las páginas del cómic te das cuenta de que no necesariamente están contando una historia de la antigüedad. Los escenarios parecen sacados de películas postapocalípticas, con restos de estructuras en proceso de desaparición, con un firmamento que no pertenece a nuestro mundo, unos ejércitos ataviados con armaduras que parecen de los antiguos mongoles y con unos animales que no necesariamente son los que todos conocemos. Además también aparecen unas criaturas fantásticas que son gigantes de seis brazos y que aportan un toque épico/fantástico a la historia.

Por otro lado, la obra tiene abundantes escenas de acción. Noé no es un hombre indefenso, es un guerrero con recursos. Son varias las escenas de lucha en la que vemos al protagonista armado con hachas y espadas y, por momentos, parece una especie de Conan con familia.

Como último aspecto a destacar, en la obra vemos a un Noé muy humano. Es un hombre inteligente y bondadoso. Por ello, el saber que toda la humanidad va a desaparecer, además del hecho de verse a sí mismo como la herramienta que ha de hacer que eso se cumpla, hacen que sufra un tormento emocional brutal. El sufrimiento y la voluntad del protagonista se enfrentan en su mente de tal forma que en determinados momentos dudas de quién es el héroe de la historia y quién el villano.

En el apartado artístico, decir que Henrichon hace un gran trabajo en las escenas de acción y sobretodo en la ambientación y los paisajes, no siendo tan loable su trabajo en cuanto al dibujo de los seres humanos. Por decirlo de la forma más fácil, Noé y sus hijos son muy parecidos (demasiado) y lo mismo pasa con su mujer y su hija.

Como punto negativo, diría que el tamaño de la publicación no beneficia nada a la obra. Inicialmente esta obra estaba compuesta por cuatro álbumes en formato cómic europeo. Ahora Debolsillo nos la trae a España en un formato mucho más reducido (150 X 210 mm) y recopilada en dos tomos (que podría haber sido uno sólo).

Curiosidad: Os dejo dos trailers

Tráiler edición francesa

Tráiler de la película

Lo mejor: La originalidad, y el toque épico/fantástico de la obra.

Lo peor: El tamaño reducido del formato.

7,5/10

¡Nos leemos! 

Reseña cómic: Fairy Quest, de Paul Jenkins y Humberto Ramos

¡Hola a tod@s! Como much@s sabéis, hace muy poquito tuvo lugar el salón del cómic de Barcelona. Esta es la convención de cómic más importante de España y una de las más importantes de Europa, así que para mí, es toooda una fiesta.

Aproveché el salón para conocer a algunos autores, conseguir algunos dibujos y, como no, comprar algunas cosas. Una de esas cosas que compré es este Fairy Quest que hoy reseño. Se trata de un cómic americano que se publica por primera vez en nuestro país, y lo hace de la mano de Ediciones Babylon en un formato de lujo. El tamaño de la hoja, para que os hagáis una idea, es como el de un cómic europeo (mayor al de los típicos cómics americanos). El papel es satinado y las cubiertas son en cartoné. Nada del otro mundo si lo comparamos con los cómics europeos de cualquier editorial española, pero sí que es poco usual encontrar cómics americanos editados de esta manera (sobre todo por el tamaño, lo demás sí es normal).

Como no quiero enrollarme demasiado con la presentación (y ya llevo unas cuantas líneas), sólo diré que sus autores son muy conocidos en el mercado americano, han trabajado para las editoriales más importantes y se han encargado de algunos de los personajes más relevantes de las mismas pero, sin lugar a dudas, donde son realmente buenos (al menos para mí), es cuando hacen “obras de autor”, obras personales al margen de las grandes editoriales y con personajes propios. Pues bien, Fairy Quest es uno de estos proyectos, quizás, el más personal de todos, ya que se produce económicamente mediante kicksatarter, que es un sitio web donde se recogen fondos para proyectos creativos.

Ficha Técnica:

Título: Fairy Quest - Los Forajidos
Guionista: Paul Jenkins
Dibujante: Humberto Ramos
Editorial: Ediciones Babylon
Encuadernación: Cartoné
Nº Páginas: 58
Precio: 14,95€
ISBN: 978-84-15565-73-4
Para comprar (solo en la web): AQUÍ
Descarga un fragmento: AQUÍ

Resumen Personal (sin spoilers): 

Desde siempre, uno de los mejores momentos del día de los niños es la hora del cuento. Justo antes de dormir, sus madres agarran un libro y al contarles la historia, que puede ser nueva o repetida, es como si plantasen una semilla de inocencia e imaginación en la mente del pequeño.

Lo que ocurre con los cuentos es que nunca varían, todos conocemos de memoria el cuento de Caperucita Roja, La Cenicienta, Pinocho o Peter Pan. Nos los sabemos porque no cambian, son iguales desde siempre. ¿O no? ¿Y si la realidad fuese bien distinta? ¿Y si los cuentos fuesen siempre iguales porque sus personajes estuviesen obligados a repetir una y otra vez la aventura por la que fueron conocidos?

Más allá de un océano aún por descubrir, a un millón de kilómetros de donde te encuentras ahora, hay un país de fantasía.

Ahora imagina que caminas en círculos. Y si sigues la media luna hasta que se esconda más allá de las colinas, llegarás a un bosque encantado llamado El Bosque de las Fábulas, donde moran juntas todas las historias que alguna vez fueron contadas.

Lo que ocurre realmente en El Bosque de las Fábulas es que los personajes de los cuentos están esclavizados por el malvado Señor Grimm y su Policía del Pensamiento. Por todas partes hay carteles y anuncios que “recuerdan” a los ciudadanos que no deben desviarse de sus historias, que deben seguir su guión. Si alguna de las fábulas decide saltarse las reglas del Señor Grimm es arrestada y sometida a su máquina infernal, “El borrador de mentes”.

Sin embargo, todos sabemos que en los cuentos hay personajes y “personajes”, y siempre hay algunos que son más rebeldes que otros. Caperucita Roja, por ejemplo, no es precisamente conocida por hacer caso de lo que le dice su madre y lleva tanto tiempo representando su papel que ya está harta. Harta de no poder ser libre, de la monotonía, del Señor Grimm y sus soldados. Pero, sobre todo, está harta de que todo el mundo trate mal a su mejor amigo, El Lobo Feroz.

Así pues, la pequeña Caperucita ha tomado su decisión, está dispuesta a hacer algunos “cambios” en los cuentos, le cueste lo que le cueste. 

Opinión Personal (sin spoilers): 

El tema de los cuentos ha dado para muchos tipos de historia en los últimos años. En cuanto a cómics, ha habido un buen número de series relacionadas con ellos. Fábulas, Lullaby o prácticamente todo el catálogo de la editorial Zenescope (en USA), por citar algunos. Ni que decir tiene que en la televisión la serie de Once Upon a Time bebe directamente de este concepto (aunque las cosas como son, aquí lo que intentaron fue plagiar el cómic de Fábulas), y en el cine las adaptaciones de cuentos están a la orden del día. El problema, es que entre tanto bebedor, la fuente se va secando y ya hoy en día son pocos los productos relacionados con los cuentos que me parecen novedosos.

Ahora bien, ¿qué es lo que hace especial a Fairy Quest? Sin lugar a dudas, sus autores. Paul Jenkins es un tipo “retorcido”, por ello a menudo encuentra la forma de presentarnos un producto que aunque pueda parecer destinado a un tipo exclusivo de público, infantil en el caso que nos ocupa, o juvenil, como es el caso de los cómics de superhéroes, luego consigue crear una historia que pueda ser leída por personas de cualquier edad. Muchas de sus historias tienen, por decirlo de alguna manera (ni por asomo establezcáis una comparación aquí), el síndrome del El Principito. Es decir, tienen varias lecturas y según el momento y el lector, este puede encontrarle sentidos distintos a la obra.

Por la parte artística tenemos a Humberto Ramos, dibujante de cómics con muchísima experiencia que ahora mismo se encuentra en la cumbre de su carrera, siendo uno de los dibujantes regulares de Spiderman para Marvel. Humberto es un autor con un estilo muy personal, parece una fusión de los estilos de dibujo del manga y el cartoon pero que además se adapta al tipo de historia que esté haciendo el autor en ese momento. De esta forma, en Fairy Quest consigue dibujar a los personajes de cuento con un aire muy de dibujos animados, muy de adaptación de cuento al cine de animación.

Como ya he dicho, Humberto Ramos destaca de una forma especial cuando hace proyectos más personales, de esta forma, en Fairy Quest podemos ver toda una galería de personajes y criaturas a las cuales el ha diseñado casi desde cero. Desde Dragones, a máquinas, soldados (con un aire muy steampunk), o a los propios personajes de cuento (atención a las páginas donde aparece Peter Pan, porque el autor ha dado un diseño completamente nuevo a los personajes de la obra de Barrie).

Lo peor de este proyecto es que carece de periodicidad, los autores lo van haciendo en su tiempo libre mientras cumplen sus labores con las grandes editoriales y esto hace que haya pasado aproximadamente un año desde que la primera parte viese la luz en USA. Sin embargo, y para que nadie tire la toalla, hace pocos días se ha anunciado la segunda parte (continuación) de este Fairy Quest – Los Forajidos.

No es la mejor obra de ninguno de los autores (ni juntos ni por separado), pero para mi gusto, se deja leer y el formato con el que nos llega es muy atractivo (insisto, para lo que es la edición habitual de los cómics americanos).

En definitiva, un cómic sobre cuentos, pensado para un público infantil-juvenil, pero que reúne los condimentos necesarios para gustar a pequeños y mayores por igual (tiene unas gotitas de mala leche que le van muy bien a la historia).

Curiosidades:

La serie cuenta con su propio merchandaising y por internet se puede comprar una figurita de Caperucita y el Lobo Feroz.

Lo mejor: La vuelta de tuerca que Paul Jenkins le da a los distintos cuentos, los diseños de Humberto Ramos y un formato de lujo para la obra.

Lo peor: El continuará de la última página. 

7/10

¡Nos leemos! 

Reseña cómic: Battling Boy, de Paul Pope

Hola a tod@s, hoy os traigo la reseña de una joyita. Se trata de Battling Boy, la última obra del multipremiado Paul Pope. Este cómic que hoy reseño es el primero de una saga de cuatro tomos (dos tomos con la historia principal y otros dos que serán un spin off basados en uno de los secundarios). En nuestro país solo ha sido publicado este primer tomo, y en USA ya ha visto la luz otro tomo que es un spin off y del que os hablaré en la reseña. No obstante, teniendo en cuenta el buen sabor de boca que me ha dejado y los elogios que ha recibido por parte de los críticos especializados, os aseguro que esto sólo es el principio. 

Ficha Técnica:

Título: Battling Boy
Autor (guión y dibujo): Paul Pope
Editorial: DeBolsillo
Encuadernación: Rústica sin solapas
Nº Páginas: 208
Precio: 14,95€
ISBN: 9788499894928

Resumen Personal (sin spoilers): 

HA LLEGADO LA HORA DE CONOCER A UN NUEVO HÉROE,

CREADO POR UN AUTOR GENIAL E INCOMPARABLE.

Arcópolis es una ciudad enorme, sus extensos muros abrazan montañas y valles de costa a costa; es casi como un continente en miniatura. Arcópolis tiene una sociedad parecida a la nuestra y, durante el día, la vida de sus ciudadanos es más o menos normal; el problema viene al caer la noche. Arcópolis es una ciudad sitiada, con la desaparición del Sol y la llegada de las sombras llegan también la alarma del toque de queda y los monstruos. Una plaga de monstruos asola sus calles y hace desaparecer a sus ciudadanos, especialmente a los niños. En palabras del propio Battling Boy: “una ciudad monstruosa infestada de monstruos”.

Por otro lado, en un lugar muy alejado de Arcópolis, tan alejado como que debe estar en otro universo o realidad, existe la Ciudad de los Dioses, el Reino Celestial. En ella viven multitud de dioses que, al parecer, viven de aventura en aventura tratando de resolver los problemas del universo. Es aquí donde vive Battling Boy, un chico que acaba de cumplir los 13 años, es decir, que acaba de dejar de ser un niño y que es hijo de un gran dios guerrero. En el Reino Celeste la tradición dicta que, al alcanzar la pubertad, los jóvenes deben afrontar una prueba que decida su destino. En ella deben demostrar que son dignos hijos de los dioses.

La prueba de Battling Boy es Arcópolis. El problema es que, a pesar de ser hijo de un Dios y de tener acceso a poderes increíbles, él sólo es un chico que acaba de cumplir los 13 años.

Como la sinopsis de la editorial no dice mucho (suele pasar mucho con los cómics), he escrito las líneas anteriores para situar mejor a los interesados en el cómic. Sin embargo, creédme que esta obra tiene mucho, mucho más de lo que a priori podría parecer en los resúmenes de la misma.

Opinión Personal (sin spoilers): 

Como diría Jack el Destripador, vamos por partes. Para poder reseñar con un mínimo de justicia esta obra, primero debo hablaros de su autor: Paul Pope.

Este señor, es uno de los artistas más completos y mejor considerados del noveno arte (sobre todo teniendo en cuenta que tampoco es que su obra sea muy extensa). A los veinticinco años, empezó a trabajar para Kodansha, una de las editoriales de manga más importantes de Japón. Tuvo muy buenas relaciones con Moebius (casi podríamos decir que fue apadrinado artísticamente por él), uno de los genios más grandes de la historieta y padre del cómic europeo (BD) como se entiende hoy en día. Además de esto, ha ganado tres premios Eisner (Los Oscar de la industria del cómic americana) y varios más que no voy a detallar porque seguro que me dejo alguno atrás. Paul Pope guioniza y dibuja sus historias y ha trabajado tanto para editoriales independientes (el caso de Battling Boy) como para algunas de las grandes editoriales de cómic de superhéroes (Batman: Año 100 para DC cómics). Su estilo de dibujo podría definirse como la perfecta fusión entre el estilo europeo (Moebius, Hugo Pratt) y el manga japonés del que se puede decir que ha conseguido captar su mejor arma, la fuerza y expresividad de la narración nipona. Os animo a que os deis una vuelta por su web (link AQUÍ) para que os hagáis una idea del trabajo de este artista que, por haber hecho, hasta ha diseñado una línea de ropa.

Vale, una vez que he dejado claro que Pope es un genio, hablemos de Battling Boy.

Deciros que este cómic está nominado a los Eisner de 2014 en la categoría de mejor publicación juvenil (13-17 años). Los diseños de Pope son frescos a la vez que conservadores, homenajea a otros autores y cómics del genero superheróico (Jack Kirby  y Steve Ditko sin lugar a dudas) y lo hace de forma que puedas valorar aún más los diseños de ambos (los de los homenajeados y los de Pope). Las ideas y personajes están bien desarrollados. La ciudad parece un personaje más, los monstruos son fenomenales y casi todos los personajes importantes tienen su atractivo.

Hay una escena en la guarida de los monstruos (un bar), donde te das cuenta enseguida de que estos villanos son de los que gustan, de los que caen bien enseguida, no porque quieras ser su amigo, sino porque están chiflados y te lo van a hacer pasar en grande.

Battling Boy (me niego a llamarlo Chico Batallador, que es como lo llaman en la edición de DeBolsillo. Hay cosas que es mejor no traducir) es un personaje complejo. Me atrevo a decir que en este primer tomo todavía sólo podemos ver la superficie del chaval, quizás porque Pope da un tratamiento preferente a explicar la situación en Arcópolis, a definir el Mundo de los Dioses, a los villanos y a los secundarios (sobre todo los West). El chico no quiere ser un héroe, eso está claro, él sólo quiere terminar esta estúpida prueba que le han puesto y que para él es lo más parecido a tener que preparar un trabajo para el colegio, y volver a casa. Por otro lado, admira muchísimo a su padre, que es un gran guerrero y no quiere defraudarle. Sin embargo, tampoco es ningún cobarde y va a descubrir que lo quiera él o no, ser un héroe es algo que parece ir en sus genes.

NOTA: El apellido West (el del superhéroe que protegía Arcópolis hasta que falleció luchando contra los monstruos) es un claro homenaje a Adam West, actor que interpretó a Batman en una de las series más bizarras que ha dado la televisión allá por la década de los 60.

En cuanto a la edición, DeBolsillo ha sacado una edición de Battling Boy bastante correcta, encuadernación rústica y sospecho que manteniendo el tamaño de la publicación original. Han sacado la portada sin el horroroso sello de Best Seller que ponen en muchas de sus obras (SÍIII, GRACIAS) y que en mi opinión sólo consigue destrozar por completo las ilustraciones de las portadas. Sobre el tamaño de la hoja, a mí no me convence, ya se criticó desde un principio a la edición americana por ello. Este cómic debería haber salido en un formato de tamaño europeo. Habría sido tremendo. Si tuviese que ponerle alguna pega, o más que una pega darles algún consejo, este sería que no vendría nada mal algún artículo introductorio, hablando sobre el autor y sobre la relevancia de su obra.

Curiosidades:

Como ya dije en la introducción, parece ser que la historia principal, la de Battling Boy, va a ser narrada en dos tomos de los cuales hoy he reseñado el primero. El segundo relacionado con el personaje todavía no ha sido publicado. El que sí ha salido a la venta en USA es un spin off sobre Aurora West titulado “The Rise of Aurora West” y que cuenta las aventura de este personaje secundario de gran importancia en la historia principal. El Spin Off de la pequeña de los West es lectura obligatoria porque estará guionizado por el propio Paul Pope y dibujado por el excelentísimo dibujante español David Rubín (El Héroe, Beowulf y muchos más). Atentos todos, porque esto va a ser una pasada. En el Blog de David (AQUÍ) ya se ha publicado alguna ilustración y él va añadiendo constantemente información.

Lo mejor: La fuerza y velocidad de la narración. Las escenas de pelea son brutales, la destrucción y la energía invaden las viñetas.

Lo peor: Se profundiza poco en el protagonista, casi parece un secundario de su propia historia. 

8/10

¡Nos leemos! 

Reseña cómic: Tambores, de El Torres y Abel García Hernández

Hoy toca un cómic “americano”, por el estilo y porque se editó primero en Estados Unidos, pero al mismo tiempo 100% español ya que sus autores son españoles. Creedme cuando os digo que en España, el nivel de los autores de cómic es de lo mejorcito. Para corroborar mis palabras, hoy os traigo “Tambores”, una obra de El Torres, uno de los pocos (poquísimos) autores españoles que puede presumir de ser guionista de cómics en el mercado americano. 

Ficha Técnica:

Título: Tambores
Autore: El Torres
Ilustrador: Abel García Hernández
Editorial: Dibbuks
Encuadernación: Cartoné
Nº Páginas: 104
Precio: 16€
ISBN: 978-84-92902-77-4

Resumen Personal (sin spoilers): 

Existe una antigua religión con muchos nombres y muchos aspectos.

Candomblé, Palo Mayombe, Santería… Vudú.

Martin Irons es un agente del FBI que trabaja en New Orleans. Una noche, estando de servicio, recibe una llamada de la sheriff de un pueblo llamado Santa Rosa pidiéndole ayuda. Irons piensa que algo raro ha pasado y tiene que ser lo suficientemente grave como para que la sheriff contacte directamente con el FBI.

Cuando Irons llega a la escena del “crimen”, lo que encuentra es un montón de cadáveres de personas que, al parecer, estaban realizando un ritual de santería. Los cuerpos no revelan ningún síntoma de violencia, por lo tanto se presume que se trata de un suicidio colectivo. Además, se encuentran utensilios y amuletos de varias religiones asociadas a la “magia negra”.

Irons y su compañero se desplazan hasta la morgue, donde se han llevado los cadáveres para ser sometidos a las autopsias. Todo transcurre de forma normal hasta que, en un momento en el que estando el investigador a solas con los cuerpos, el cadáver de una mujer, una de las víctimas del “suicidio”, se levanta y le revela a Irons que aquello es sólo el principio. Algo malo va a pasar y nadie va a poder impedirlo. 

Aunque Irons es distinto, el es diferente al resto de los simples mortales, está destinado a algo más. Por supuesto, Irons achaca el terrorífico episodio sufrido con el cadáver a alguna clase de toxina o droga que estuviese presente en los cuerpos y que le haya afectado.

Poco después entra en escena Michelle Hernández, Antropóloga y asesora civil del FBI. Ella ayudará a Irons a esclarecer los hechos del “suicidio religioso”.

Lo único que puedo revelar después de esto, sin desvelar datos importantes de la trama, es que Irons y Michelle no están ante un simple caso de suicido colectivo. Se alzarán más cadáveres, correrá la sangre (zombis, zombis, zombis), se descubrirá el horrible motivo de la muerte del colectivo religioso y lo que estaban haciendo cuando murieron, todo ello bajo una tormenta que amenaza con barrer al pueblo de Santa Rosa y a los protagonistas de la historia de la superficie del planeta.

Opinión Personal (sin spoilers): 

Escalofriante. ¿Qué sucedería si mezclásemos una buena historia de detectives y lo mejor de American Horror Story? Pues que tendríamos algo muy similar a Tambores.

La historia me atrapó desde la primera página. El Torres sabe muy bien lo que hace y consigue acaparar la atención del lector desde las primeras páginas. El principio es similar a los primeros 15 minutos de una buena película de detectives al estilo Seven o True Detective: escenario, protagonista y BANG! Una escena horrible de un suceso escalofriante donde hay muerte y simbología extraña por todos lados. Automáticamente estás pensando “¡La leche! ¿Qué habrá pasado aquí?”, y sabes que el protagonista va a tener que vérselas con algo o alguien muy chungo.

Por supuesto, el hecho de que el protagonista tenga un pasado turbio e intrigante, que parece envuelto en telarañas, y que este pasado pueda tener algo que ver con el horroroso galimatías que le está tocando resolver, hace que siempre sintamos un interés especial por conocer más sobre él.

Los secundarios que en este caso cumplen bien su papel, no caen pesados, no ralentizan la historia, simplemente forman parte de ella.

La atmósfera que crea el equipo artístico mediante el juego de “luces”, colores y los efectos de la tormenta es brutal. Casi podría decirse que la tormenta es otro personaje más de la historia. Para que os hagáis una idea, la tormenta aquí es algo como lo que ocurre en la película El Cuervo, donde no para de llover durante toda la historia. En este caso sucede lo mismo, hay escenas de lluvia en prácticamente todas las páginas del tomo.

Por otro lado, el dibujo le va muy bien a la historia: correcto y limpio en las escenas de interiores y conversaciones, sucio y oscuro en las escenas más terroríficas y se podría decir que esotérico en las escenas de “santería”.

En general, el cómic me ha parecido muy bueno, original e intrigante hasta el final. Es un ejemplo perfecto de cómic de terror bien hecho. Algunas escenas son sobrecogedoras de verdad. El capítulo 3: “Casa de Azúcar” es una obra maestra del  thriller asfixiante y el cómic de terror.

Donde único flaquea la obra, para mí, es en lo abierta que queda la historia al final. No me entendáis mal, el asunto que sirve de motor a la historia (el suicidio colectivo) se resuelve por completo, pero la conclusión es como en una de esas películas de los años 80 en las que el protagonista resuelve la situación en el último momento, pero te deja con varias preguntas o él mismo se queda en una situación que a la larga sabes que es insostenible.

Para cerrar el tomo, El Torres nos ofrece un extraordinario texto en el cual explica muchas de las claves de la historia, cómo se le ocurrió y qué pretende contar con ella. Además, también nos deja un glosario completo sobre varios términos que aparecen a lo largo de la historia relacionados con la santería. Por su parte, Dibbuks nos ofrece las portadas originales de la edición de USA (cosa que siempre se agradece), la cual constaba de cuatro números y que han sido recopilados para la edición española en un único tomo.

Lo mejor: El capítulo 3. “Casa de Azúcar”, es simplemente magistral.

Lo peor: Un final demasiado abierto para mi gusto.

7,5/10

¡Nos leemos!